La cerimonia, semplice ma suggestiva e assolutamente autentica, consisterà in due momenti: uno ufficiale di motivazione, presentazione e descrizione del “Casanova” persona e personaggio alla Piazza e al Popolo di Venezia e Foresto con relativa consegna del “Diploma di Maschera della Commedia dell’Arte” da parte del Direttore Artistico del Carnevale di Venezia e di tutti i Patrocinanti, e quella performativa, a cura di Maurice Agosti e della Compagnia “Pantakin”, dove per la prima volta “Casanova” si esibisce come “Maschera” in un atto unico a lui dedicato e in “prima” mondiale.

La pièce si intitola: “Il Casanova Tradito” – Atto Unico con Maschere all’Antica Italiana

Casanova: Maurice Agosti
Lussietta: Chiara Stella Seravalle
Pantalone: Michele Casarin
Arlecchino: Luca Altavilla

Ideazione: Maurice Agosti, Chiara Stella Seravalle e Michele Casarin
Regia: Michele Casarin e Maurice Agosti
Costume di Casanova: Stefano Nicolao

Nel breve arco di mezzora, dalle 15.30 alle 16.00, in piazza San Marco sabato 11 febbraio un uomo, Giacomo Casanova, diventerà un “mito” imperituro.
Per Amore, con Amore, grazie all’Amore.

Accanto alle “storiche” Bauta, Gnaga e Moretta – che rappresentano la più genuina venezianità – e ad Arlecchino, Colombina e Pantalone -nell’immaginario di tutti con le celeberrime commedie dell’arte e poi di Goldoni – Venezia diventa un tripudio di colori e fantasia nelle due settimane che caratterizza l’evento più seguito della città.

I costumi più elaborati, firma  inconfondibile degli atelier veneziani, trovano soprattutto il favore dei turisti che accorrono numerosi per sfilare tra le calli e i campi veneziani e per essere immortalati nell’album dei ricordi di un’indimenticabile soggiorno lagunare.

Pure in questa edizione, tanto vociferata per la crisi economica che sta imperversando mezzo mondo, non ha tradito le aspettative, ma ha proposto tante nuove idee, soprattuto dal mondo del cinema: tra le più gettonate sicuramente quella rappresentante il look degli abitanti di Pandora da “Avatar”‘, i Na’vi, e gli “ever green” Batman e Darth Vader, quest’ultimo con al seguito i soldati dell’impero.

La fantasia e la creatività si raggiungono anche con materiali “poveri” come cartone, gommapiuma o polistirolo: a far da padrone quest’anno le caricature dei memes, vero e proprio fenomeno del web degli ultimi mesi, e gli immancabili personaggi dei videogiochi o manga giapponesi.

E in questo clima “incerto”, dove lo spauracchio della crisi sembra prendere il sopravvento su tutto e su tutti, la necessità di mascherarsi e di “indossare” identità diverse e a lungo sognate, rappresenta ancora quell’incanto che si può manifestare durante il Carnevale. E la città di Venezia, che ha nel suo DNA le maschere, rimane ancora oggi il luogo della sua naturale espressione.

Il successo che ha accompagnato l’evento in questi ultimi anni – che apre e chiude letteralmente la kermesse carnevalesca – ha un sapore maggiore rispetto alle ultimi edizioni: il maltempo che ha imperversato su tutta la penisola italiana e che ha minacciato in più occasioni la buona riuscita di tutte le manifestazioni legate al momento più atteso della città lagunare, non è riuscito a fermare l’entusiasmo del pubblico che ha sfidato le temperature sotto lo zero per vedere coi propri occhi le partecipanti di quest’anno.
Due le occasioni “pubbliche”, per veneziani e non, di vederle dal vivo: la prima il sabato di apertura, la seconda il martedì grasso con la presentazione ufficiale in Piazza San Marco della Maria dell’Anno e la Maria dei Lettori del Gazzettino, media sponsor dell’evento.
Le vincitrici sono state: Marta Finotto, studentessa diciannovenne di Musile di Piave, come Maria dell’Anno; Rossella Seppa, studentessa diciannovenne dell’isola della Giudecca, Maria dei Lettori.

L’emozione palpabile nello sguardo di Marta, fresca vincitrice con lo splendido abito uscito dall’Atelier Nicolao, e di tutte le altre ragazze non hanno impedito loro di mostrarsi fiere e sicure di sé agli occhi del pubblico numeroso. L’istrionico Principe Maurice, autentico padrone di casa sotto le vesti della “maschera italiana” del Casanova, ha invece dato la propria “benedizione” sulla vincitrice, stabilendo un legame indissolubile con la città di Venezia.

E la vittoria del Carnevale Veneziano, grazie anche all’appuntamento firmato Bruno Tosi, è il segno evidente che la ricerca della tradizione più genuina non tramonta mai e non conosce ostacoli, rappresentati quest’anno da un’ondata di maltempo più che eccezionale.

di Alberto Goattin

Il 41. Festival Internazionale del Teatro, che “invaderà” la città lagunare nella settimana dal 10 al 16 ottobre, ha nella sua programmazione un totale di oltre 40 appuntamenti per un’offerta ricca e soprattutto variegata.

Nel segno della continuità con le edizioni del precedente direttore – il regista Maurizio Scaparro – anche quest’ultima ha già conosciuto una prima fase laboratoriale: i nomi impegnati tra l’autunno 2010 e la primavera di quest’anno erano Ricardo Bartís, Calixto Bieito, Romeo Castellucci, Jan Fabre, Rodrigo García, Jan Lauwers, Thomas Ostermeier, registi dal segno inconfondibile che hanno riscritto la scena in termini radicali e oggi nomi di richiamo per tutti i festival che contano. Rigola è riuscito nell’intento di coinvolgerli tutti e quanti per un progetto – una versione personale e contemporanea dei sette peccati capitali – durante la seconda tranche della 41. edizione con risultato finale uno spettacolo, I sette peccati, programmato per l’ultimo giorno del festival un percorso di sette brevi spettacoli, come uno sguardo prismatico sul nostro presente.

Di ognuno dei sette registi coinvolti nei Sette peccati, Rigola ha scelto poi di portare uno spettacolo che fosse rappresentativo della loro poetica.

All’acclamato e graffiante Amleto di Shakespeare secondo Thomas Ostermeier spetta l’onore di inaugurare il Festival il 10 ottobre al Teatro Goldoni. L’11 ottobre la volta di due artisti di punta della fertilissima scena fiamminga: Jan Fabre, che a Venezia porta il suo ultimo spettacolo, Prometheus Landscape II, anch’esso in prima per l’Italia al Teatro Piccolo Arsenale, e Jan Lauwers e la sua Needcompany, interprete al Teatro alle Tese di Isabella’s Room, considerato uno spettacolo cult della compagnia. Lo sport antico e un tempo popolare del pugilato si fa metafora di un Paese e di una società nello spettacolo El Box di Ricardo Bartís, regista capostipite del teatro di ricerca in Argentina. Noto alle scene europee, ma raramente invitato in Italia, Bartís sarà per la prima volta alla Biennale sul palcoscenico del Teatro alle Tese il 12 ottobre. Protagonisti della giornata del 13 ottobre, due personalità quasi antitetiche come Romeo Castellucci e Rodrigo García: il primo con la Socìetas Raffaello Sanzio affronta la complessità dello sguardo nel suo secondo studio Sul concetto del volto nel Figlio di Dio al Teatro Piccolo Arsenale, mentre il regista ispano-argentino, al Teatro alle Tese con Muerte y reencarnación en un cowboy, prende a pretesto il mito western per uno dei suoi esplosivi attacchi ai riti quotidiani della nostra società. Di Calixto Bieito, che tanto ha fatto parlare per le sue iconoclaste regie liriche, ma raramente presente in Italia con il suo lavoro teatrale, il 14 ottobre al Teatro Goldoni, in prima per l’Italia, Desaparecer, un “poema-concerto per due voci perse nella nebbia”, che parte da una duplice ispirazione letteraria, Edgar Allan Poe e Robert Walser, e fonde le due passioni di Bieito – teatro e musica.

Affiancati dal nucleo originario di artisti coinvolti, Rigola ha poi invitato i campioni del cosiddetto teatro post-drammatico, Stefan Kaegi con il suo collettivo Rimini Protokoll e due artisti della coreografia come Josef Nadj e Virgilio Sieni. Anche in questo caso laboratori e spettacoli sono un progetto integrato. Stefan Kaegi con un laboratorio, Video Walking Venice, che ha il sapore di uno dei tipici interventi urbani del gruppo, con i partecipanti sguinzagliati per campi e calli di Venezia armati di iPod touch. Il laboratorio viene inserito negli ultimi tre giorni del Festival, il 14, 15 e 16 ottobre, in un percorso a partire da Ca’ Giustinian. Del collettivo berlinese previsto anche l’ultimo spettacolo, Bodenprobe Kaschstan, il 15 ottobre al Teatro Piccolo Arsenale, uno spettacolo che intreccia il percorso del petrolio ai flussi migratori tra le ex repubbliche sovietiche e la Germania.

Josef Nadj e Virgilio Sieni, figure atipiche del mondo coreografico, all’incrocio tra danza, teatro, arti figurative, sono impegnati entrambi con un laboratorio sul movimento dedicato ad attori e due spettacoli: Woyzeck ou l’ébauche du vertige di Nadj, un esempio dei più intensi della poetica fatta di gesti, oggetti, apparizioni dell’autore franco-ungherese, in scena il 15 ottobre al Teatro alle Tese; e Osso, il toccante e intimo dialogo tra un padre e un figlio, costruito sulla sapienza di gesti quotidiani che diventano rito, di Virgilio Sieni, in scena il 16 ottobre.

Tra i laboratori si segnalano anche quelli più “tecnici” ovvero di scenotecnica, allievi del corso in Scienze e Tecniche del Teatro dell’Università Iuav, sulla costruzione delle scene originali per l’allestimento di El Box di Ricardo Bartís. L’artista delle luci Carlos Marquerie con un laboratorio alla scoperta dei segreti dell’illuminotecnica nell’era della tecnologia digitale; mentre Àlex Serrano, autore di tanti progetti multimediali d’avanguardia, con un workshop per registi teatrali su modalità, tecnica e creatività nell’impiego del video in tempo reale.

Ai fondamenti della nostra cultura teatrale, a Shakespeare, al suo impareggiabile verso e alla sua scuola di recitazione, al modello con cui per ogni attore è indispensabile confrontarsi, è dedicato un altro laboratorio. E all’esercizio della critica, infine, strumento indispensabile di una civiltà teatrale, è dedicato un laboratorio condotto da Andrea Porcheddu per l’intera settimana del Festival. Prolungamento del “Progetto OctoberTest”, che aveva accompagnato il Laboratorio Internazionale di Arti Sceniche, ai sette giovani critici che hanno seguito la prima parte, si aggiungono altri cinque selezionati per seguire su carta e su web lo svolgimento completo del Festival, fornendo un “foglio” accessibile a tutti e costantemente aggiornato.

Gli incontri con il pubblico e una conferenza sulla scenografia completano il quadro delle offerte che coinvolgono più direttamente addetti ai lavori e pubblico interessato. Venezia è anche “spettatrice attiva” della rassegna: in virtù del concetto di vivere la città, vero e proprio leitmotiv della Fondazione, troviamo coinvolte la sede storica della Biennale – con la Sala delle Colonne e il Laboratorio delle Arti di Ca’ Giustinian – e i tradizionali spazi all’Arsenale – con il Teatro alle Tese e il Piccolo Arsenale; le sale del Teatro La Fenice – Apollinee e Rossi; il Teatro Goldoni, il Teatro Fondamenta Nuove e il Teatro di Ca’ Foscari a Santa Marta “Giovanni Poli”; il Conservatorio Benedetto Marcello – con la sala dei concerti e la sala prove. Tra le istituzioni coinvolte l’Istituto Veneto di Scienze Lettere ed Arti e la sua sala del Portego; il Laboratorio Alias; Arteven, con cui quest’anno ha realizzato la tournée dello spettacolo di Ivo nel Veneto, il Teatro La Fenice, il Conservatorio Benedetto Marcello, l’Università Iuav, il Teatro Fondamenta Nuove e l’ormai consueto apporto della Regione Veneto.

Alle giovani compagnie italiane più innovative il 41. Festival Internazionale del Teatro riserverà uno spazio quotidiano (dall’11 al 15 ottobre). E’ Young Italian Brunch, che scherzosamente allude all’orario – le 13.00 – in cui si presenta un assaggio del panorama nazionale, con il desiderio di rendere visibile soprattutto a operatori e curatori stranieri quanto offre una scena esuberante ma ancora poco nota ai circuiti internazionali.

Venice In è quindi orgogliosa di pubblicare in esclusiva un’intervista a Ricci/Forte, un binomio indiscusso della drammaturgia italiana contemporanea, qui protagonista/i con la loro ultima creazione, lo spettacolo Grimmless.

di Alberto Goattin

Un piccolo preambolo, questo, per parlare di Venezia e della sua situazione: non troviamo carrozze che ritornano zucche, balli a palazzo col principe ereditario o scarpette di cristallo perse per strada; troviamo tuttavia una città che, a partire da una certa ora, non conosce più la sua vitalità, il suo appeal, la sua “magia”.

L’ordinanza voluta dalla giunta comunale il 30 giugno e che prevede il divieto «fra le 00.01 e le 6 del giorno successivo il commercio di alcolici e alimenti nonché l’esercizio di attività artigianali di produzione di alimenti» taglia ancor di più le gambe ad una città fin troppo arenata a leggi e costrizioni di ogni sorta, ferendo in questo modo quella parte della città che tanto si vuole preservare ma, a conti fatti, non si tutela: la categoria dei giovani.

Punendo i kebabari, i venditori di pizza da asporto, le gelaterie aperte per il dopocena ed i bar in generale, c’è il rischio concreto di perdere d’occhio gli interessi e le promesse fatte al “futuro di questa città”.
Seconda parte dell’ordinanza è «fra le 00.01 e le 8 del giorno successivo si vieta qualsiasi forma e tipologia di spettacolo e intrattenimento musicale». Lo stop ai concerti dal vivo e dj-set, limitandone le proposte e gli orari di chiusura (si parla sempre delle 00.01) sono la mazzata ulteriore a questa situazione, il tutto – come è stato giustificato da coloro che hanno preso tali provvedimenti – per “ripulire” le zone universitarie della città dall’eccesso di caos creato dalle bottiglie consumate e dimenticate per terra, campi e calli presi per il proprio salotto – o peggio – il proprio bagno.

Scelte in parte condivisibili per una questione di saper vivere e comportarsi da persone civili, in parte no perché le restrizioni vanno a penalizzare anche tutti coloro che propongono un dopocena sano ed equilibrato, dove l’arte (musica) si mescola al piacere di un buon drink e dal quale può nascere un interessante binomio.

Basti pensare a ciò che è avvenuto in occasione dell’Art Night, la Notte Bianca, dove l’arte nelle sue varie sfaccettature e la cultura hanno lasciato le porte aperte fino alla mezzanotte, richiamando un notevole pubblico di giovani: una scommessa sicuramente vinta, ma se limitata ad una sola volta all’anno e soprattutto fino alla mezzanotte, si rischia di fare la fine di Cenerentola, ovvero fuggire dal sogno, dalla magia, dall’incantesimo tanto sperato.

Quella che discutiamo è invece la realtà che si para davanti a noi tutti i giorni, la realtà di una città che ha in sé tutte le potenzialità per essere un centro catalizzatore di arte, cultura e divertimento per i giovani, ma a causa di leggi e restrizioni eccessive e immotivate le negano tali opportunità.

di Alberto Goattin

Con un programma costituito da 76 compositori, più di 80 brani di cui 27 novità assolute, e oltre 20 appuntamenti tra concerti, installazioni, performance audio-visuali, laboratori e incontri concentrati dal 24 settembre all’1 ottobre – La Biennale di Venezia, nella sezione Musica, si presenterà (SE ESCE DOPO, si è presentato. DURANTE si presenta)al suo pubblico. E pure quest’anno – afferma il presidente Paola Baratta – l’apporto dei giovani si farà sentire “riconfermando la volontà della Biennale di far conoscere al mondo le più importanti esperienze di singoli compositori e di ensemble che hanno iniziato un percorso, spesso con successo, nel mondo della musica contemporanea”.

Il concerto inaugurale del 24 settembre, al Teatro alle Tese, rende omaggio a Peter Eötvös affiancato dalla grande orchestra SWR Sinfonieorchester Bade-Baden und Freiburg. Il celebre compositore e direttore d’orchestra riceverà infatti nel corso della serata l’ambito Leone d’Oro alla carriera con la seguente motivazione: “Direttore d’orchestra di precoce ed enorme talento, è stato assistente per molti anni di Karlheinz Stockhausen, sia come compositore che ben presto come direttore prediletto dei suoi lavori, incluse le grandi opere create alla Scala trent’anni fa (fra cui Donnerstag aus Licht, 1981). Anche Boulez, dagli anni ’70, gli ha affidato la direzione musicale del neonato Ensemble Intercontemporain. Queste esperienze straordinarie al fianco dei più grandi compositori hanno immerso Eötvös in un fiume ricchissimo di pensiero e pratica musicale, formando un musicista e un artigiano assolutamente completo, che negli ultimi vent’anni ha mostrato una fecondissima forza creativa di compositore. In entrambe le attività, Eötvös unisce una conoscenza e un orecchio di rara finezza ad una allegria iconoclasta e sperimentale”.
Un concerto che si presenta come un doveroso tributo alle ascendenze bartókiane della musica di Eötvös con l’esecuzione di Tanz-Suite, un brano oggi raramente eseguito, ma che a Bartók diede una improvvisa popolarità, cui sono affiancati Konzert für zwei Klaviere e Replica di Eötvös, a mostrare i legami con la lezione del passato e insieme i suoi sviluppi più avanzati, e una degna conclusione sulle note di Agon di Stravinskij, partitura per balletto, un genere in cui il compositore russo ha sperimentato molte delle sue più importanti innovazioni musicali.

Un occhio particolare sulle formazioni più giovani, sulle novità della ricerca e sui nomi nuovi del panorama musicale internazionale grazie anche all’istituzione del Leone d’argento che la Biennale dedica proprio alle nuove generazioni e che quest’anno premia l’ensemble milanese RepertorioZero.
A Venezia RepertorioZero (27 settembre, Sala delle Colonne – Ca’ Giustinian) porterà un organico di quartetto d’archi elettrico e un regista del suono, figura imprescindibile per un programma che illustra gli sviluppi e le potenzialità dell’elettronica applicata agli archi, alternando nuove esecuzioni a brani che sono già parte del repertorio contemporaneo. Le novità sono a firma di Jean François Laporte e dei trentenni Carlo Ciceri e Andrea Agostini, accanto a Orchester-Finalisten di Stockhausen e Different Trains di Reich.
Anche lo Studio for New Music Moscow (29 settembre, Teatro Malibran) è una formazione recente, nata in seno al Conservatorio di Mosca e destinata a giovani orchestrali e compositori. A Venezia l’ensemble apre a un panorama musicale ancora poco noto come quello russo: accanto ai nomi consolidati di Vladimir Tarnopolski, più volte ospite della Biennale Musica, e di Faraj Karaev, ci sono quelli, alcuni non ancora trentenni e tutti da scoprire, di Olga Bochihina, Alexej Sioumak, Nikolaj Khrust e Vladimir Gorlinski.
Uno sguardo alle giovani generazioni, più precisamente quelle impegnate nella ricerca elettronica e informatica, si ricollega la presenza al 55. Festival del maggior centro di ricerca sul suono, l’IRCAM di Parigi, con due concerti (28 e 30 settembre, Conservatorio di Venezia) e un nucleo di laboratori che occuperanno l’intera settimana del Festival per mostrare a giovani compositori italiani un metodo di lavoro applicato alle ultime novità della tecnologia, con i programmi di scrittura più avanzati (Max, Max4Live, Open Music, etc.). I due concerti in programma presenteranno compositori particolarmente rappresentativi di questo fronte della ricerca – Franck Bedrossian, Yan Maresz, Yann Robin, Roque Rivas – e compositori italiani che all’IRCAM hanno studiato e si sono specializzati – Francesca Verunelli, Andrea Agostini, Daniele Ghisi, Eric Maestri, tutti trentenni.

Scritto, allestito e realizzato interamente da studenti del Conservatorio Benedetto Marcello, Privo sarò del cielo e de l’inferno – A patchwork opera (29 settembre, Conservatorio), e l’originale riproposta degli eventi Fluxus di Giuseppe Chiari e Giancarlo Cardini ad opera del Collettivo Rituale di Riccardo Vaglini (26 settembre, Conservatorio) rinnovano la felice collaborazione tra la Biennale e il Conservatorio veneziano, nata dalla volontà di valorizzare le migliori e più fresche energie creative.

Oltre alle presenze di spicco dell’Orchestra del Teatro La Fenice, partner ufficiale del Festival e presente in cartellone con diverse formazioni, e dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai (27 settembre, Teatro Malibran), con il suo ensemble da camera interprete delle musiche di Giorgio Colombo Taccani, Massimo Botter, Unsuk Chin, Staffan Storm, Thomas Adés, ritorna alla Biennale la duttilissima FVG Mitteleuropa Orchestra (25 settembre, Teatro alle Tese). Diretta da Andrea Pestalozza, l’orchestra impagina un concerto con brani di Kent Olofsson, Vittorio Zago, Pasquale Corrado alternati a pagine di Aldo Clementi e Giacinto Scelsi.
Il 55. Festival presenta, inoltre, ensemble dinamici che hanno dato una scossa al mondo concertistico: l’italiano Sentieri Selvaggi che presenta un programma di musiche di Steve Martland, Christina Athinodorou, Carlo Boccadoro, Giovanni Verrando, Mark-Anthony Turnage, Steve Reich (28 settembre, Teatro Malibran), e l’Ictus Ensemble di Bruxelles, che rivela pagine di autori raramente eseguiti come Harry Partch, o anomali come Kurt Schwitters insieme a Iannis Xenakis, Fausto Romitelli e ai trentenni Eva Reiter e Hikari Kiyama (1 ottobre, Teatro alle Tese). Un altro ensemble fiammingo, testimonianza della vitalità di un’area, l’Hermesensemble è interprete di Lamento di Medea (26 settembre, Teatro Piccolo Arsenale), una produzione di teatro musicale in forma di concerto, complici il compositore Wim Henderickx e il poeta e scrittore Peter Verhelst. Geblendet (30 settembre, Teatro Piccolo Arsenale) è invece un lavoro sperimentale di teatro musicale che la Biennale condivide con Musik der Jahrhunderte Stuttgart e Musicadhoy di Madrid nell’ambito del Programma Cultura dell’Unione Europea. I racconti brevi di Thoms Bernhard sono all’origine di quattro quadri distinti affidati alle partiture di Michael Beil, Mischa Käser, Manuel Hidalgo, Filippo Perocco, alla regia del franco-tedesco Thierry Bruehl e all’esecuzione dei Quatuor Diotima di Parigi.

Un concerto solista per Michaël Levinas, splendido pianista oltre che compositore, alle prese con pagine di Beethoven, di cui ha inciso l’integrale delle Sonate, Ligeti e proprie composizioni (26 settembre, Sala delle Colonne – Ca’ Giustinian); mentre la formazione quartettistica d’archi del Teatro La Fenice (25 settembre, Teatro Piccolo Arsenale) sarà interprete di pagine di George Crumb, Dmitri Shostakovich e del lussemburghese Claude Lenners.
Una vera rarità sarà la prima audizione della versione a 8 canali di A floresta é jovem e cheja de vida di Luigi Nono, la cui ricostruzione filologica, ad opera di Veniero Rizzardi, parte dai materiali utilizzati per la produzione discografica del 1966 per restituire il pezzo nella sua originalità con tutti i suoi interpreti (25 settembre, Sala degli Arazzi – Fondazione G. Cini).
Nei primi due giorni del festival il Teatro alle Tese sarà trasformato in un grande strumento musicale con l’Arpa di luce del musicista e performer Pietro Pirelli, una installazione visiva e sonora che estenderà le sue corde-laser tra le colonne cinquecentesche del Sansovino, e anche solo al passaggio del pubblico provocherà effetti visivi e sonori. Mentre al Portego di Ca’ Giustinian verrà collocata, per tutto il periodo del Festival, un’altra installazione, Aura in Visibile.2, opera del compositore Luigi Ceccarelli. Al centro dello spazio un pianoforte a coda rigorosamente senza pianista che, sollecitato da eccitatori meccanici, progettati dal compositore e controllati tramite computer, rivela una voce inedita.

Sui temi e gli interrogativi che il titolo del Festival, Mutanti, sollecita si svolgerà poi – a metà percorso del Festival (29 settembre, Sala delle Colonne – Ca’ Giustinian) – il confronto tra lo scrittore Alessandro Baricco e il sociologo Mauro Magatti, professore dell’Università Cattolica di Milano e autore di Libertà immaginaria (Feltrinelli, 2009),
Il 55. Festival Internazionale di Musica contemporanea chiuderà l’1 ottobre con un “gesto teatrale” orchestrato dal direttore Luca Francesconi, dal nome emblematico Vogata rituale – cultura in memoriam.

L’originalissimo percorso partirà dall’Arsenale e porterà il pubblico lungo le vie d’acqua di Venezia fino all’isola di San Michele, dove riposano le spoglie di Stravinskij e di tanti grandi artisti. Una serata in compagnia della musica di Igor Stravinskij e Guillaume de Mauchaut, Luigi Nono e Gesualdo da Venosa, Claudio Monteverdi e Arvo Pärt, Verdi e Mozart: tutti autori che attraversano secoli di storia della nostra musica rappresentandone la memoria viva. E’ anche un saluto simbolico che esprime la necessità della memoria, oggi messa sempre più in secondo piano dalla rivoluzione “telematica” col web a farla da padrona. Un invito fortemente voluto da Francesconi a riflettere sui cambiamenti che questa rivoluzione produce nelle nostre vite, nel nostro pensiero e nel nostro futuro.
L’internazionalità dell’istituzione, del programma proposto e degli artisti coinvolti si sposa con il territorio locale attraverso la collaborazione con le orchestre e gli ensemble del Veneto, con istituzioni come il Teatro La Fenice, il Conservatorio Benedetto Marcello, l’Archivio Nono, la Fondazione Giorgio Cini, coinvolgendole in progetti specifici.
In questa prospettiva un plauso all’apporto della Regione del Veneto tramite programmi dei settori dello spettacolo dal vivo della Biennale di Venezia.

Rai Radio 3 avrà invece il compito di condurre la Biennale Musica oltre Venezia, a fasce più numerose di pubblico e di appassionati, raccontando, in diretta o in differita, i momenti salienti di questo festival.

di Alberto Goattin

Coinvolti in un servizio fotografico a Palazzo Dona’ delle Rose, nel suggestivo appartamento del Principe Maurice, incontriamo oltre all’istrionico performer veneziano due leggende viventi della musica di tendenza: I Datura, Ciro e Stefano.

Motivo del set la creazione di immagini per la promozione del nuovo format radiofonico sul network M2O dal titolo “ReMemo” di cui i tre sono protagonisti. “ReMemo” e’ un viaggio nella memoria musicale….

E’ proprio la memoria che ci porta a collegare i Datura ad un periodo d’oro della nightlife di Venezia, Jesolo e tutto il Veneto nel quale loro sono stati determinanti e che temiamo non possa più ritornare viste le ultime vicissitudini e la chiusura mentale delle istituzioni nei confronti dell’universo giovanile.

Li intervistiamo per capire come si sono evoluti in tutti questi anni e come vivono la difficile situazione nazionale.

Per i pochi che non li conoscono raccontiamo brevemente chi sono questi due eterni ragazzi bolognesi che hanno inventato e portato un certo genere di musica italiana nel mondo.
“Datura è una pianta magica che cresce negli altopiani del Messico del Nordche gli stregoni Yaqui usano nei rituali per avvicinarsi alla Conoscenza. Da questa pianta, conosciuta attraverso le letture di Carlos Castaneda e dei fumetti di Tex Willer, prendono nome e ispirazione i Datura.
Il progetto discografico nasce nella primavera del 1991 al Coco Studio di Bologna da Ciro Pagano e Stefano Mazzavillani la produzione nei primi anni coinvolge anche due importanti Dj Ricci e Cirillo. Affascinati dal mistero, dalle religioni e da tutti quei processi cognitivi che vanno oltre il raziocinio scientifico, i Datura cercano attraverso la loro musica di avvicinarsi ed esplorare i mondi paralleli e sotterranei che affollano la mente. Dall’ottobre del 1991 all’estate del 2004 pubblicano un album e 18 singoli, collezionano svariati riconoscimenti tra cui un disco d’oro e posizionano incredibilmente tutte le loro produzioni nelle vette delle charts italiane ed internazionali: Yerba del Diablo, Eternity, El Sueño, Infinity, Angeli Domini, Will Be One, Summer of Energy solo per citarne alcuni. Collaborano con diversi artisti per remix e produzioni tra cui Billie Ray Martin, Steve Strange dei Visage, Ben Volpelier Pierrot dei Curiosity Killed The Cat, Scooter, Spagna, CSI, Danny Losito e dj tra cui Ralph, Ricky Montanari, Flavio Vecchi, Molella, Albertino, Gigi D’Agostino.
Negli anni 90 creano due etichette discografiche la “Trance Records” su cui usciranno le produzioni dei Datura fino al 1995 e la “Absolut Joy” legata all’omonimo marchio di abbigliamento su sui sarà pubblicato tra gli altri Masoko Solo. Famosi restano i loro spettacoli in discoteca dove riproponevano interamente live le loro produzioni. Dal 2006 i Datura passano alla console proponendo dj set interamente incentrati sulla musica degli anni 90 e contemporaneamente danno vita al progetto “PEZZI DA 90″ una retrospettiva sulla decade 90ties che comprende compilation, un programma televisivo, un programma radio ed eventi in discoteca. Dal 26 giugno sono in onda su M2O con il programma “REMEMO” incentrato sempre sugli anni 90 ma questa volta raccontati attraverso la musica di tendenza di matrice trance e techno e la selezione musicale dei DATURA è affiancata dalla voce narrante del PRINCIPE MAURICE. Ora come allora la Yerba cattiva non muore MAI…”

D. Siete a Venezia per iconizzare con il principe Maurice un prodotto radiofonico nuovo che si rifa’ pero’ alla memoria. Di che si tratta?
Tempo fa ci siamo ritrovati col Principe Maurice per alcune performance e djset interamente dedicati alla musica techno/trance degli anni 90 e come sempre accade in questo tipo di eventi l’energia della musica e delle persone presenti è davvero unica e esaltante. Proprio in quelle occasioni è nata l’idea di un progetto radiofonico che riportasse in se’ la stessa atmosfera e la stessa forza che quella musica creava e crea in discoteca. Un programma che raccontasse la decade dei 90ties attraverso la musica di tendenza di matrice trance e techno selezionata dai noi DATURA con la voce narrante del PRINCIPE MAURICE. E, come recita il comunicato tampa, assieme abbiamo cercato di realizzare un programma radiofonico che ci accompagnasse “nel regno della memoria, con il ricordo della straordinaria colonna sonora e del sapore di quegli anni memorabili in cui la musica dei club scandiva la vita quotidiana di ognuno di noi.” Un programma capace di riproporre “tutta la musica underground che nasceva perlopiù in europa e che dava vita al sound e alla tendenza su cui, successivamente, si sarebbe indirizzata la musica pop.” Un programma che diventasse “il regno della memoria di tutti quelli che ci sono stati e di tutti quelli che per motivi anagrafici non c’erano e che ora possono conoscere e respirare quelle atmosfere uniche e irripetibili.” Ci serviva un nome, un nome che richiamasse la memoria di quegli anni e dove c’è un Principe c’è sempre un Re, per cui: benvenuti nel regno di REMEMO….

D. Che situazioni trovate oggi in Italia e quali differenze quando andate all’estero in tournée?
A dire la verità le nostre uscite all’estero oggi sono più sporadiche che in passato, quello però che appare chiaro è come in Italia per una serie di ragioni la musica dei club sia sempre stata relegata ad un ruolo minore rispetto alla sua vera importanza. Al contrario di quanto accadeva all’estero, dove i grandi successi provenienti dai club, la techno, la trance sono di diritto considerati musica pop; in Italia, i forti accordi tra le major discografiche e i grandi network radiofonici e televisivi, hanno in qualche modo impedito tutto questo. Il fatto che questa musica fosse pubblicata su etichette indipendenti, non creava sufficiente business e conseguente interesse da parte delle major che con il passare del tempo cercarono di “difendersi” dall’invasione della musica che proveniva dai club anziché cercare di pubblicarla come succedeva fuori dai nostri confini.
Basti pensare che il fenomeno della trance music in Italia è stato del tutto ignorato. Ovviamnete tutto questo ha portato ripercussioni in tutto l’ambiente musicale e anche nel dancefloor, sino alla grande crisi dei primi anni 2000. Tutto sommato la grande differenza imane quella che questo tipo di musica in Italia non ha il posto di rilievo che gli dovrebbe essere riconosciuto. Ma adesso è arrivato REMEMO!

D. Chi e’ a vostro avviso responsabile di questo momento oscuro di un ambiente che in passato ha dettato legge nella musica, nel costume, nel sociale fino a diventare un genere a tutti gli effetti artisticamente e storicamente riconosciuto?
Come dicevamo non c’è un unico responsabile. E’ un modo di pensare lo show business in generale, la causa che ha portato pian piano a questo impoverimento o “momento oscuro” che dir si voglia. In Italia molti produttori e dj non erano più in grado di proseguire la ricerca di nuove e alternative soluzioni sonore e questo col tempo ha portato all’assenza di nuove idee nel mondo della musica. Dalla seconda metà degli anni 90 il suono in Italia ha cominciato a sottomettersi alle esigenze del mercato discografico sottoposto a sua volta alle esigenze dei network radiofonici, Si è perso così a poco a poco il “gusto” e il piacere per la la sperimentazione; linfa vitale per la musica e per qualsiasi forma creativa.
Successivamente l’ovvia, a nostro parere, crisi delle vendite ha portato alla situazione attuale. Tutto questo ovviamente si lega in maniera indissolubile a tutto il mondo musicale e se manca la “cultura della musica” mancherà anche la cultura nella musica e nel mondo che lei stessa attraversa e dal quale viene a sua volta attraversata.

D. Cosa suggerite e cosa fate già da voi stessi per continuare a far vivere la passione e la cultura giovanile in generale e di notte?
Noi crediamo che negli anni 90 la musica da club abbia avuto la sua massima espressione ed è quindi da lì che siamo ripartiti alcuni anni fa. La musica è di per se passione e richiede a sua volta proprio per questo passione e non importa se per crearla, suonarla, ascoltarla o ballarla… Negli anni 90 i club si riempivano per la passione che generava questa musica. Oggi è necessaria la stessa passione per rigenerare il mondo della notte e noi siamo pronti; come sempre…

D. Quali sono i vostri progetti imminenti?
Da diversi anni a questa parte siamo impegnati su diversi fronti per promuovere tra i più giovani la musica degli anni 90 e per riproporla a quanti l’hanno vissuta come colonna sonora della propria vita e vogliono “ritrovarla”.
Oltre a produrre il programma REMEMO assieme al Principe Maurice, siamo attivi con un altro progetto “PEZZI DA 90″ che attraversa però tutta la musica legata a quel periodo e non solo la tendenza, e che comprende un format radiofonico, uno televisivo in onda su Enjoy Television e una collana di compilation arrivata al volume 5.
E proponiamo il nostro djset in giro per i club. Stiamo inoltre collaborando in maniera sempre più stretta con Rudeejay; assieme a lui stiamo realizzando nuove produzioni e si sta creando una perfetta sinergia.

D. Come create un vostro prodotto musicale?
Produciamo da sempre musica all’interno del nostro studio dove abbiamo realizzato non solo tutti i nostri singoli ma anche tutte le nostre produzioni e remix. Qui una volta trovata l’idea sulla quale lavorare cerchiamo melodie, sonorità, arrangiamenti, stesure per “vestire” al meglio l’idea dalla quale siamo partiti. Una volta convinti il brano è pronto.

D. Che fonti d’ispirazione avete?
E’ strano definire cosa possa ispirare un brano. Sicuramente il nostro background di ascolto è la musica elettronica europea così come la new wave e il rock a cavallo tra la fine degli anni 70 e i primi anni 80 con la quale siamo cresciuti. A volte però ad ispirarci è l’ascolto di una melodia, altre volte un suono, l’acquisto di un nuovo strumento musicale, ma anche un’atmosfera, un libro, un film, una storia, un dialogo. Può sembrare strano ma è proprio così: essere ispirati per creare un brano richiede attenzione e curiosità. A nostro parere è tutto a portata di mano basta allungarsi e prendere, ascoltare e sentire, cercare e trovare traducendo poi il tutto con la propria sensibilità: una sorte di enorme biblioteca di Babele dove tutto esiste già e viene continuamente ricreato per poi essere riletto in altre nuove interpretazioni.

D. C’entra qualcosa il Principe Maurice?
Con il Principe Maurice ci siamo sempre “sfiorati” in passato, vivendo gli stessi anni, frequentando gli stessi locali, ascoltando la stessa musica, frequentando persone in comune, ma mai interagendo tra noi. Con REMEMO abbiamo avuto il grande piacere di ritrovarci e finalmente iniziare una collaborazione comune poter condividere il nostro passato esplorando il futuro. Il Principe Maurice c’entra, sempre…

D. Vi vedremo ancora a Venezia?
Certo che sì, quando Venezia chiamerà i Datura non mancheranno di rispondere!

E’ stato interessante sentire la voce di due assoluti protagonisti della scena musicale di tendenza riguardo le gravi restrizioni in materia di orari e volumi per eventi e serate nei locali cittadini, sulle spiagge e nelle discoteche della nostra città, della regione e anche di tutto il resto d’Italia.
Speriamo sia utile anche a chi avversa le espressioni di una cultura che non capisce e per questo aggredisce al fine di trovare un modo per non reprimere ma costruire insieme nel rispetto reciproco.

Santa Margherita non è solo bar, i locali che fanno musica dal vivo ci sono (anche se si nascondono molto bene) ed uno di essi si chiama Venice Jazz Club.
Appena fatto il ponte dei pugni, fronteggiando il “campo dello spritz”, girate a sinistra.
Vi si aprirà un mondo.
Venice Jazz Club (che a discapito del nome non è un club) era tanti anni fa una discoteca, finchè il titolare (Federico Nalesso, musicista Jazz) non ha deciso di portarsi il lavoro a casa.

Ne è nato un locale (il primo della città ad essere insonorizzato a norma) molto prestigioso, forse più nel mondo che a Venezia, grazie al pubblico di fedelissimi Jazzisti-viaggiatori che di tanto in tanto tornano a trovarlo.

Quando siamo andati a trovare Federico non siamo riusciti a non parlare delle nuove ordinanze, dei limiti sempre più pressanti che opprimono i gestori dei locali, e della difficoltà sempre crescente degli esercenti.

Eppure, sorseggiando un buono spritz, ci rendiamo conto che anche nel campo più frequentato di Venezia esistono dei posti diversi, che propongono buoni vini e buona musica, tutte le sere.

Venice Jazz Club sta diventando uno spazio espositivo, per informazioni: info@venicejazzclub.com

Innanzitutto due parole su di voi: gli albori di Ricci/Forte, che formazione avete avuto, quali sono stati i vostri maestri?

Rigurgitati da una formazione classica come l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica, sentivamo il crepuscolo creativo pericolosamente vicino. Il panorama teatrale sembrava una distesa di distruzione, in attesa di avventori dello sterminio. Pur avendo avuto in clausura incontri rigeneranti, come quello con Luca Ronconi, che aveva illuminato a giorno le dinamiche intertestuali del linguaggio, il bisogno di confronto con il contemporaneo non smetteva di lanciare bengala di soccorso. L’approdo a New York e l’incontro con le arti performative hanno fatto da reagente innescando una fissione nucleare a catena che ancora ci accompagna.

Quando avete iniziato a lavorare insieme, in quale ambito?
Notti senza sonno ti costringono ad inseguire anche i rumori minimi, a lanciarti senza deroghe nel buio della coscienza circostante, sforzando lo sguardo alla ricerca di un riflesso. Nel carosello di accostamenti incongrui, stabilire un patto di condivisione etica ed espressiva tra noi è stato quasi naturale, ineluttabile. L’habitat, la crosta lunare sulla quale abbiamo da sempre poggiato il passo è stata quella teatrale. Stefano, Gianni e il palcoscenico: un moderno impianto di ventilazione contro il fetore del nostro ieri individuale.

Prima il cinema o il teatro?
Non c’è un prima, non esiste un dopo. Abbiamo solo un continuum in cui l’ugola assume i connotati che meglio articolano il codice linguistico. Tutto proiettato verso il racconto, la necessità della condivisione. Il media è solo uno strumento: lo sforzo è quello di raccontare qualcosa che non sia un tradimento con la nostra essenza espressiva. Rombi felpati, sussurri roboanti, deflagrazioni ogivali o tintinnio di lampadari di cristallo baccarat, quando la comunicazione viene stabilita tra perimetri eterogenei si ha ogni sorta di conseguenze nel sistema. Particelle sfuggono ai margini. Esplodono significanti, balenano fenomeni prodigiosi: le risonanze, appunto. Linfa di un approccio filosofico che punta all’espressione svincolata dai margini che l’uomo gli impone con i suoi orizzonti limitati all’inquadratura.
Siete venuti alla ribalta anche grazie al vostro lavoro di sceneggiatori presso una serie tv italiana; ma in teatro siete riconosciuti come portatori di un nuovo linguaggio e una poetica molto forte, che dipinge gli scenari più cinici della società contemporanea: quanto del vostro lavoro per la tv influisce poi sul testo teatrale?
La capacità di confronto, la difficoltà ad affezionarsi a qualcosa che non supera il collaudo della scena, il tempo che non è mai abbastanza e va parcellizzato in ogni istante per permettere alle visioni, ai concetti di svilupparsi e assumere i contorni di ciò che deve essere: il più vicino possibile al nostro sguardo. Se è vero poi che tutti noi siamo quello che facciamo, la domanda va riformulata: quanto della vostra vita influisce nella creazione drammaturgica? E la povera Sfinge sarebbe costretta ad un digiuno forzato a causa delle innumerevoli risposte esatte dei tanti Edipo in odore di chivuolesseremilionario.

Dopo gli ultimi successi, la collaborazione con la Fondazione Fendi per il progetto speciale Some Disordered Christmas Interior Geometries, sbarcate ora alla Biennale di Venezia: cosa significa per voi essere invitati a  La Biennale Teatro 41 Festival Internazionale?
Il crash test continuo è con il tempo presente, non con la sua ordalia. La collaborazione con il mecenatismo di alcune Fondazioni o l’invito a manifestazioni internazionali di prestigio come Biennale Venezia Teatro 011 da parte del suo attuale direttore Alex Rigola, costringono a tenere alto il senso critico rispetto ai battiti di ciglia che eseguiamo. Aggiornando la scansione di un disagio che attraversa noi e ci imbastisce agli altri, tracciamo una rotta dalla Manciuria a Times Square, nello sfiancante e ossigenante esperimento di ritrovare le impronte dei nostri passi.

Young Italian Brunch sezione speciale riservata ai nuovi talenti della scena italiana, fortemente voluta dal direttore Alex Rigolauna ventata d’aria fresca per l’istituzione veneziana e per il teatro italiano?
Nella letargia burocratica e culturale che impasta il nostro Bel Paese, alimentata con epidurali di teatro postprandiale o, tanto peggio, esteticamente fruttuoso ma vuoto sotto ogni profilo contenutistico o concettuale, ben vengano le salvifiche passerelle che sollevano nuovi fermenti artistici dall’acqua alta putrida e stagnante di un paese abulico e ignorante, indietro miliardi di anni luce dal significato di contemporaneo.

Al Teatro Fondamenta Nuove di Venezia il 15 ottobre vedremo in scena Grimmless: il vostro ultimo lavoro basato sulle opere dei fratelli Grimm, come mai vi siete avvicinati alle fiabe?
Sentivamo arrivato il momento di analizzare il Male alla genesi. L’infanzia, terra feconda di tutte le privazioni future, ci ninnava con le sue favelle distorte, cartone dorato, futuro metadone. Siamo quello che ci hanno raccontato. Sopravviviamo in quello che ci raccontano. Era giunto il momento di dire basta e diventare affabulatori della propria condizione. Senza lieto fine. Ma con la bacchetta magica del nostro voler stare in piedi in modo ostinato. Senza attendere alcun Godot nei panni azzurri principeschi. Noi. E la riscoperta di una vita senza fiabe ma con i giorni sorprendentemente traboccanti di azione.

Un allontanamento dal naturalismo per avvicinarsi ad una realtà ancora più vera?
Un uomo abbattuto da un avversario può rialzarsi ma un uomo che cade a terra per uno sgambetto del conformismo rimane steso al suolo per sempre. Stanchi dei cuscinetti termici adottati per parare i freddi improvvisi, ci dedichiamo con cura ad una anatomia diurna, priva di sconti, che recupera i bagliori poetici proprio perché sfrondata da ammennicoli di mistificazione bonaria da sopravvissuto borghese.

Spesso siete stati apprezzati per l’empatia che i vostri personaggi suscitavano nel pubblico, in Grimmless questo non accade o almeno non c’è il tempo perché accada… è voluto? Su quali altre assi si muove Grimmless e qual’è il rapporto che avete con gli attori, quanta libertà lasciate all’improvvisazione e quanta al testo?
Non si tratta di personaggi, l’empatia con il pubblico è generata dallo svelamento di un malessere condiviso, dall’identico sforzo per decodificarlo. I 5 performer (Anna Gualdo, Giuseppe Sartori, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Anna Terio) sono scoperti, pronti a condividere qualcosa di privato per la comprensione comune. Le spirali di improvvisazione sono una vertigine che ci aiuta a fare luce nel percorso da intraprendere. I nostri soldatini-senza-fiabe lo sanno e gestiscono il periodo di prove con una fiducia + una generosità assoluta, consci che il loro prezioso patrimonio individuale verrà elaborato e ricomposto alla luce di un’architettura che, oltre a rispettarli, sostenga un’etica salvifica, un nuovo umanesimo.

Con Grimmless sentivamo il bisogno che in ogni momento lo spettatore percepisse la capacità dell’interprete di manipolarlo, per rendergli sempre presente la capacità altrui di raccontare “fiabe”, trasfigurare il Reale. Avevamo bisogno di raggiungere il climax che contempla un’adesione ventricolare, per poi tranciarla di netto scoprendo la capacità mistificatoria. Rispetto ai lavori precedenti, Grimmless è, nonostante l’apparente freddezza, più intimo degli altri. Semplicemente non volevamo che lo spettatore si lasciasse travolgere dall’emozione, dimenticando l’assioma del burattinaio. Allo stesso tempo, però, è il più bianco dei nostri lavori, il più diafano e sincero nella constatazione della propria inanità. Nei soldatini-senza-fiabe, nel loro viaggio all’interno del bosco, c’è una compressione dell’emozione. Un cortocircuito di visioni interiori piu che personaggi o situazioni realistiche: insetti fuori catalogo che comunicano mostrando le loro ali iridescenti sgualcite dallo sforzo.

Ricci/Forte

Intervista a cura di Camilla Toso

La stagione del Teatro La Fenice si arricchisce anche con alcuni eventi collaterali proposti dall’ Ex Novo Ensemble nato nel 1979 a Venezia dalla collaborazione tra un gruppo di musicisti ed il compositore Claudio Ambrosini, una realtà di riferimento nel panorama internazionale della musica nuova. Il gruppo che ha dato un rilevante contributo alla diffusione della musica da camera del Novecento storico italiano presenta nelle Sale Apollinee del teatro una serie di concerti nel mese di ottobre e novembre alle ore 20.00 a partire da sabato 8 ottobre con L’istatane musicale musiche di Hector Berlioz, Nino Rota, Claude Debussy, seguiti da Genesi e fortuna del Proteiforme musicale il 22 ottobre, Mi struggo al suon delle parole mercoledì 26 ottobre. Anche l’ensemble dedica una serata a Mozart e Schumann venerdì 4 novembre con Curva spaziotemporale chiusa. Gli appuntamenti proseguono fino a dicembre inoltrato per maggiori informazioni e il calendario completo si rimanda al sito www.exnovoensemble.it.
A chiudere la stagione 2011 de La Fenice un testo tutto italiano Il Trovatore di Giuseppe Verdi che resterà in scena per sette giorni da venerdì 2 dicembre a domenica 11.

Passando invece alla prosa il Teatro Goldoni apre i battenti alla seconda stagione diretta da Alessandro Gassman l’affascinante figlio d’arte che trova il giusto equilibrio tra cinema e teatro. La stagione si apre con la drammaturgia contemporanea nella sala in.off si altreneranno due autori veneti contemporanei Vitaliano Trevisan e Tiziano Scarpa rispettivamente con Wordsatr(s) dal 20 al 23 ottobre e L’infinito diretto e interpretato dal grande Arturo Cirillo che sarà in scena dal 3 al 6 novembre.

Si riprende la stagione di prosa classica il 9 novembre fino al 13 con La Sirena Luca Zingaretti interpreta e cura la regia del “reading” tratto dal racconto Lighea di Tomasi di Lampedusa ambientato in una Torino del 1938 un dialogo tra solitudini contrastanti ma unite da un segreto inconfessabile. Imponente messa in scena quella de L’affarista Antonio Calenda propone una compagnia numerosa per i personaggi di Balzac guidati da Geppy Gleijeses nei panni di Auguste Mercadet. L’opera intreccia i suoi molti sottotesti, le continue ambiguità e rifrazioni, e pone in luce figure che Balzac aveva tratteggiato ispirandosi alla società del XIX secolo ma che molto hanno a che fare con alcuni dei “furbetti” che popolano i giorni nostri.

Una straordinaria attrice come Elisabetta Pozzi non poteva che vestire i panni di Elektra nella riscritta nella poesia di Hugo von Hofmannsthal tradotta e messa in scena da Carmelo Rifici. Questo capolavoro decadente ripensato per la contemporaneità sarà in scena dal 30 novembre al 4 dicembre. L’anno si chiude al Goldoni dal 14 al 18 dicembre con La Signorina Giulia di Strindberg un panorama tra l’orgiastico e l’infernale che spinse l’editore Bonnier a respingere l’opera perché troppo scandalosa. Giulia la padrona e Giovanni il servo superano il limiti imposti dalla buona società in uno sconvolgimento di ruoli e regole.

Per chi abita invece a due passi da Venezia il Teatro Toniolo di Mestre offre una bella stagione di prosa e danza. Si inizia il 2 novembre con ART per la regia di Giampiero Solari un’amicizia salda tra tre vecchi amici viene messa in discussione da un quadro, l’arte non è mai stata così al centro di rapporti sociali come l’amicizia non è mai stata così smembrata in scena.
Nato dalla volontà di scoprire un genio dei rapporti personali come Čhecov, Donka di Daniele Finzi Pasca mischia l’universo dell’autore russo alla clownerie di cui è intrisa l’arte della compagnia internazionale; l’eco della vita privata dell’artista viene dipinto dai personaggi sospesi nelle acrobazie in scena dal 16 al 20 novembre.

Dalla Russia si passa ad un autore italiano con Il berretto a sonagli di Pirandello una commedia che tocca sul vivo analizzando tutte le sfaccettature del tradimento e della gelosia, il protagonista accetta infatti di dividere la moglie con l’amante piuttosto di perderla per sempre, la regia di Lo monaco riporta in scena quel che Pirandello definiva una storia viva, dal 30 novembre al 4 dicembre.

A chiudere l’anno l’11 dicembre il più romantico dei testi shakespeariani Romeo e Giulietta proposta da una compagnia di giovani attori nata dalla collaborazione tra Accademia Silvio d’amico di Roma e l’Accademia “Palcoscenico” di Padova. Qualche giorno a seguire il gran finale 14 e 15 dicembre con Favola di Filippo Timi autore e interprete del testo che vede la vita di una tranquilla casa anni cinquanta sconvolgersi proprio la notte di Natale.

di Camilla Toso

Aldo Navoni, un farmacista veneziano con la passione per la foto, socio del circolo La gondola, ha immortalato i numerosi graffiti sparsi nella città realizzando un’imponente archivio-opera fotografica: alcuni dei “soggetti” interessati sono opere a livello Biennale, altri solo la firma de writer, altri ancora comunicazioni politiche-ideologiche: delle poche”opere d’arte” presenti, molti di questi lavori si prestano ad essere indicati piuttosto come nefandezze o simili.

Il fenomeno del graffiti writing è una chiara risposta alla necessità di comunicare che è insita nell’uomo già dai tempi dei Celti Liguri e dei Druidi, un esempio palese può essere quando siamo al telefono ed abbiamo sotto le mani un foglio bianco: la voglia di scarabocchiarlo è il primo pensiero che ci frulla in testa!

Questa “necessità” diventa però un problema nel momento in cui il confine – spesso labile – tra bisogno creativo e atto di vandalismo viene superato, come è capitato imbrattando le opere d’arte in piazza San Marco di fianco alla Basilica e nelle zone circostanti.

Andate a pennellare a Marghera verrebbe da dire, ciononostante Venezia e il sestiere Castello sembra il luogo più amato dai writers.
Forse varrebbe la pena di fare un convegno, magari al Centro Culturale Candiani, invitando con garanzia di anonimato questi disegnatori in corsa e trovare con loro delle soluzioni congeniali alla questione: per esempio l’installazioni di pannelli in zone di grande efficacia e visibilità, come piazzale Roma o il Tronchetto, “spartiacque” tra il centro storico, Venezia, e la Terraferma; insomma una mostra permanente di graffiti visibile dai numerosissimi viaggiatori visitatori come pure dai residenti locali.

Il catalogo delle opere di Aldo Navoni si può trovare in internet cercando “Venice Graffiti by Aldo Navoni”: prossimamente verrà organizzata una mostra, suscitando l’interesse di diverse associazioni culturali di discutere sull’argomento.

di Tuscia Katia Nobbio